[微风]这个表情怎么做
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微博上关于开元音乐和微风的表达是什么意思
开元音乐？微风的表达没有实际意义。什么是开元音乐，肖凯和圆圆
新浪微博聊天表情里的微风是什么意思
这只是一种表达，没什么特别的
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什么是节奏？
节奏是音乐在时间上的组织。
音乐中节奏的概念非常宽泛。从宏观上看，可以说是音乐的“进步”。这个概念包括音乐中的各种运动形式，有优先性、松散性、紧凑性；具体来说，节奏包括两个概念:节拍和速度。前者指的是音乐的有规律的运动，即节拍点的组合，后者指的是这种节奏的速率。
一、节拍(米)
节拍是重音根据节拍数以一定间隔重复出现的模式，或者是强弱音循环重复的固定序列。每一拍都是由时间值固定的单位组成的，称为时间。
节拍的时间值可以是四分音符、半音符或八分音符。节拍通常用分数来标记。分子表示每个小节的单位节拍数，分母表示单位节拍的时间值，如2/4。意思是“每个小节有两个节拍，每个节拍是一个四分音符”，或者简单地说“每个小节有两个四分音符”。以下是一些常见的节拍:偶节拍，包括2/2(每个小节有两个半音符)、2/4、4/4、4/8(每个小节有四个八分音符)等。这些偶拍是对称的，具有行进的特点；奇数类，有3/2(每个小节有三个半音符)，3/4，3/8，6/4，6/8，9/8等。它们听起来是旋转的，所以它们通常与舞曲有关。
除了上面的2/4和3/4，还有杠线。这条短竖线把音符分成强弱交替的规则单位，看起来很直观。通常杠线后的第一拍是强拍，比如2/4，这是三月常见的节奏。是一强一弱的交替，而3/4，比如华尔兹，是一强两弱的交替。拍数超过三拍，会有两个不同的强拍，比如4/4，强-弱，下一个强-弱；6/8是强-弱-弱；下一个强-弱-弱。
我们上面提到的有规律的节拍在音乐中随处可见。但其实这只是节奏的概念，音乐不一定是这样的。除了民间音乐中的自由形式之外，很多作曲家只是为了给人一种清新的感觉而想打破节奏的规律性，在节拍强的地方闪过去不出现，在节拍弱的位置突然出现，让听者意想不到。这在20世纪的音乐中非常普遍。其实贝多芬早在18世纪就使用了这种方法，这让当时的保守派感到非常不满。这里有一个很好的例子——斯特拉文斯基写于1913年的芭蕾音乐《春节》。这部舞剧描绘了史前人类原始的祭祀场景。其疯狂野蛮的音乐风格一度让人愤怒，甚至在音乐史上引起了前后空的剧场骚乱，但很快成为20世纪的经典。斯特拉文斯基在这里对节奏的运用相当精彩，这是他整体艺术风格中极其重要的因素。《春之祭》第二首乐曲《春前驱与青年男女之舞》乐谱上写了两拍，但由于人为改变了原有的强弱位置，破坏了原有的古典感。
我们可以想象，这个时候的指挥一定不是按照两拍的规律来跳手臂，而是按照实际的重音来拍。
在古典音乐中，只要在乐谱的开头标注2/4、3/4、4/4等节拍标记，后者基本不会改变，而在现代音乐中，往往需要改变节拍标记，比如《春之祭》中的《春轮舞》，其第一小节为5/4拍，第二小节为7/4拍，第三至第五小节为6/4拍，由于这里的强拍并不突出，给人整体松散、缺乏动力的感觉。
如果是同样频繁变化的节奏，如果重音加强了，听起来会像是另一种感觉。比如《春之祭》中最后一首歌《民选少女之舞》的开篇段落。所谓“民选少女”，就是在祭祀活动中被人们选为祭祀大地的少女。她会狂舞至死，这是祭祀仪式的高潮和结束。作曲家在这里用了一个非常刺激的声音，节奏多变，几乎是一小节的节拍。比如前四小节分别是3/16，5/16，3/16，4/16，那些口音带来的冲击力相当强。
在这里，不规则节奏的效果是不同寻常的。试想一下，如果换成古典有规律的节奏，那种疯狂野蛮的感觉是无法表达的。
有很多方法可以偏离传统的节奏概念。除了上面说的“人为改变重音位置”“频繁改变节奏”，还有复合节奏。例如，在管弦乐队中，弦乐部分是三拍子，而铜管部分是四拍子。两种不同的节奏叠加在一起，形成复杂多样的音效。
第二，速度(节奏)
速度指的是速度。大致可以分为慢、快、中三类。
速度这个词通常写在乐谱的开头，大多用意大利语(有时用母语)。
常用的速度标记如下:
慢班:大宽板
坟墓很慢，庄严而缓慢
Lento慢板
柔板
中速类:行板
行板行板
中间板
快板班:快板
快板快板
奥尔格罗·莫尔托的快板
活泼轻快
急板
普雷斯特西莫最急板
除了这些术语，有时还使用更精确的标记。比如= 88表示一分钟打88拍，88表示一分钟打88个半音符。你可以在专用于音乐的节拍器上看到这些的速度，你可以想象这样的标记对于指挥和表演者的指示更为准确。有些作曲家对速度控制得非常严格，他会为演奏者指定具体的演奏时间，比如在乐谱上标注“这个乐章演奏8'55”的字样。
速度是音乐节奏的重要组成部分。同样是三拍。用的快，会给人一种活泼明亮的感觉，用的慢，会得到一种优雅悠闲的效果。通常快节奏是令人兴奋的，对应的是我们在剧烈运动时的心跳和呼吸，而慢节奏则让人平静稳定。说白了，表达兴奋、兴奋、喜悦、活泼与速度是相容的；在用明媚的阳光和满园的春色来表现自然风光时，往往搭配中速，而宏大的颂歌、沉痛的挽歌、深刻的回忆，大多搭配慢速。
这里有几个例子:
巴赫《勃兰登堡第一协奏曲》的第二乐章是慢板，能给人一种平和宁静的感觉。这首慢板用了三拍。因为它的速度慢，旋律长，我们几乎感觉不到它强弱节拍的交替。
音乐示例4:巴赫第一首勃兰登堡协奏曲第二乐章的慢板
这首协奏曲的第三乐章是快板，6/8拍，也就是每个小节有6个八分音符，实际上是两个3/8拍的组合(强-弱-弱，第二强-弱-弱)。
同样是三拍，由于速度不同，效果完全不同。这个快板活泼热情，节奏强烈，所以音乐有前进的动力。
音乐示例5:快板，巴赫第一首勃兰登堡协奏曲的第三乐章
在一部作品中，作曲家有时会改变速度，引起情感的对比和变化。在谈到音域和力度时，我们引用了斯特拉文斯基的芭蕾舞剧《火鸟》大结局，以及格里格的《百丽·金特》(Belle Kint)组曲《在万山之王的宫殿里》，其中节奏特征由慢变快，而《火鸟》大结局变快后又回到了慢速，非常有效。
现在，让我们来比较和欣赏这两首小曲。他们的关系很有趣。前者是后者的改编。因为速度不同，外观完全不同。前者是法国作曲家圣桑组曲《动物狂欢节》中的海龟。乌龟的特点是动作慢，所以作曲家用一个慢的速度来形容它的形象，后者就是这个旋律的来源——法国作曲家奥芬巴赫的一首快舞曲。
谱例4:圣桑组曲《动物狂欢》中“乌龟”的主题(奥芬巴赫《康康舞》的主题)
音乐例6:圣桑组曲《动物狂欢节》中的“乌龟”
音乐示例7:奥芬巴赫的康康舞
一般来说，快节奏是令人兴奋或紧张的，而慢节奏给人一种宁静和平静的感觉。但这不是绝对的，还要看和节奏相匹配的其他元素，比如音区、强度、音色。在影视配乐中，作曲家往往将音乐的节奏与画面的节奏相匹配来渲染气氛，但往往使用“对比”。比如画面极度紧张，镜头剪辑很快的时候，音乐很慢，往往会产生非常有效的效果，就是让观众更加紧张或者增加空感。比如描写越南战争的电影《野战排》，有一组场面相当激烈。飞机不断向天空中的地面投掷炸弹，大地一片火海。很多人在挣扎，在流血，而音乐用的是美国作曲家巴伯为弦乐乐队写的一首“慢板”。速度很慢，节奏很宽，旋律很长，出奇的好，观众就在眼前。它不仅被血腥的场面震撼，还从宏观角度和人类历史的角度进行思考，产生了对战争的仇恨、对生命的珍惜和对和平的渴望。
旋律，也称为旋律，是一系列音乐声音的有组织的发展。
与其他元素相比，旋律在音乐中的作用最为突出，自然是最重要的表现手段。可以说，任何人听完一首作品，记得的第一件事就是旋律，旋律是可以被我们哼唱的，而其他的元素，比如简单的音域、力度、节奏，没有旋律几乎无法独立存在，所以有人说旋律是音乐的灵魂。但是，在一些音乐中，旋律并不占据至高无上的地位。比如20世纪一些新颖独特的作品主要是由音色组成，而非洲的鼓乐主要是由各种节奏组成。由于篇幅有限，本节不涉及这类特殊音乐。
旋律与我们的日常语言息息相关。最早的音乐，他们旋律的曲折变化，是依附于语言本身的。可以说是语言中音高的夸张。例如，当我们中国人背诵诗歌时，我们用更悦耳的音调朗读，西方古代圣歌也是如此。后来逐渐有了不依附于语言的音乐旋律，但仔细想想，这些形式不同的旋律，还是和语言有很深的关系，比如曲折，比如亲切的交谈；短而有力的旋律，很像命令或惊人的音调；向下的旋律就像我们日常生活中熟悉的叹息，常用来表达悲伤的哭泣或沉重的叹息。
因为旋律具有情感色彩，能引起人们的情感共鸣。作曲家利用这一特点写出表达各种情感的旋律。例如，贝多芬第五交响曲最后一个乐章的开始部分:
谱例1:贝多芬第五交响曲最后一乐章的主题
音乐示例1:贝多芬第五交响曲最后乐章的主题
它的旋律是带有主和弦的喇叭音，棱角分明，英气逼人。这种旋律特征是贝多芬及其个人语言的鲜明象征。
再举一个例子，这是彼得·伊尔伊什·柴可夫斯基第六部《悲情交响曲》最后一乐章的主题，以下面的行调为主，听起来像哭:
谱例2:柴科夫斯基第六交响曲的最后一个乐章
音乐示例2:柴科夫斯基第六交响曲的最后一个乐章
用来形容难过的心情，这个旋律很贴切。在这部交响曲的第三乐章中，柴科夫斯基描述了他年轻时的挣扎，它的旋律是另一种形式，铿锵有力，充满阳刚之气:
谱例3:柴科夫斯基第六交响曲的第三乐章
音乐示例3:柴科夫斯基第六交响曲的第三乐章
这个旋律表现了奋发向上的精神，也有类似贝多芬的喇叭音调的特点。
让我们来分析一下柴科夫斯基的幻想序曲《罗密欧与朱丽叶》中的两首旋律。受莎士比亚同名戏剧故事的启发，讲述了一对相爱的年轻人因家庭仇恨而无法结合的悲剧故事。剧中的两个主题是“恨”和“爱”。作曲家柴科夫斯基用生动的笔触描述了这两种截然不同的情感:
光谱示例4:柴科夫斯基幻想序曲《罗密欧与朱丽叶》的主题1
音乐示例4:《罗密欧与朱丽叶》主题1
光谱示例5:柴科夫斯基幻想序曲《罗密欧与朱丽叶》的主题2
音乐示例5:《罗密欧与朱丽叶》主题2
显然，第一段旋律是用来形容仇恨和斗争的，棱角分明，音符短小，节奏不稳定；第二段旋律是拉伸和唱歌，听起来很深情。可以想象，它描绘的是爱情。从这一点可以看出旋律与语言的密切关系，得出的结论是听者应该能够从作曲家的旋律中理解他想要表达的情感。
作曲家的创作个性在旋律上非常鲜明，不同的国家和民族有不同的旋律特征，就像他们的人民有不同的文化背景和个性一样。而且每个时代都有自己的时代特征。比如中国的抗日歌曲，反映了特定时代人们的思想感情。民歌、歌剧和说唱音乐也有自己的旋律特点。意气风发的京剧和委婉动听的江南越剧很有代表性。
在一部大型作品中，经常使用许多不同性格的旋律，形成对比发展，使音乐向前发展。比如前面提到的的《罗密欧与朱丽叶》中，两个主题旋律在后面发展，表达仇恨与斗争的旋律(屈例3)变得更加激烈尖锐，而爱的主题(屈例4)则成为悲剧性的高潮，给人带来了眼泪。
但是，没有文学和描述性标题的器乐(称为“纯音乐”)应该如何理解？再举个例子。这是莫扎特著名的G小调第四十交响曲的第一乐章。它的主题由气息短促、跳跃的音符组成，副主题则相对轻松抒情。
谱例6:莫扎特第四十交响曲第一乐章的主题；
音乐例6:G小调第四十交响曲第一乐章
谱例7:莫扎特第四十交响曲第一乐章的副标题；
音乐示例7:G小调第四十交响曲的第一乐章
这是组成第一乐章的两种主要材料。在音乐的过程中，它们不断发展变化，不时加入新的素材，形成丰富多变的音乐洪流。每个人都可以感受到它的流动、变化和前进，就像我们可以感受到河流在崎岖的河床上以各种方式流动一样。实现这些运动的趣味性和美感，就意味着理解作曲家的意图。至于它带给人的联想，是仁者见仁智者见智的事。
当我们听得越多，我们对音乐就会越来越敏感，想象力也会越来越丰富。这时，我们会从音乐的审美过程中获得更多的快感。也许很快你就会从旋律中识别出是西方浪漫主义还是巴洛克风格，是巴赫还是贝多芬，是肖邦还是李斯特，是云南民歌还是蒙古民歌。
旋律是通往音乐世界的一条路。和声是音乐创作中一个完整的复调写作系统，由一系列相互有机联系的和弦组成。
首先观察和声的基本单位——和弦。每个和弦至少由三个音符组成，如do、mi、sol或fa、la、do。
频谱示例1:和弦
do和mi的关系是三度，mi和sol的关系也是三度，fa、la和do的音程关系也是三度，是西方传统的三重重叠和弦。
和弦本身没有任何意义。形成音乐需要一系列的和弦。这些和弦的功能和它们之间的关系被称为“有机联系”。正如我们在前面的“调式与调性”一节中提到的，调式中的每一个调都有自己的位置，比如主调、主调、从属调。和弦就是在这些音符上形成的。如果以上例子中的第一个和弦被认为是建立在c大调的主音do上，那么它就是c大调的主和弦。第二个和弦，如果在c大调也观察到的话，是c大调基于从属音的从属和弦。这些和弦之间的联系是有逻辑的，专业术语叫“和声级数”。
和声理论不是抽象的教条，而是基于听觉的美感。在长期的实践中，人们对和声逻辑有着丰富的经验，使其在音乐中产生各种奇妙的效果。
让我们听一段由首无伴奏的合唱。请仔细理解各种声音同时发声所带来的音效。这是德国作曲家瓦格纳的歌剧《唐·豪泽》中的朝圣者合唱团。通常我们只关注它的主旋律，也就是男高音的声音。现在请大家多关注一下低音，看看能否听到和声的变化(也就是和弦一个接一个的连接)，以及这种变化是如何让音乐获得丰富的色彩，不断向前推进的。
例子1:瓦格纳歌剧《唐·豪泽》中的朝圣者合唱团
没有和声的旋律就像是用铅笔作的画，而和声就像是上色，给线条增添了色彩、光影和立体感。
正如我们前面所说，一个和弦至少由三个音符组成，它们被第三个音程重叠。由三个音符组成的传统和弦有几种，由于三度本身有大三度、小三度、增三度、减三度，所以会有各种由它们组成的和弦，如大三和弦、小三和弦、增三和弦、减三和弦，它们的音响效果是不同的。和弦也可以由更多的音组成，比如四声、五声等等。另外，和弦可能不是三度重叠，而是四度或二度重叠(比如19世纪末法国印象派作曲家德彪西，他经常使用三度不重叠的和弦)。如果把各种和弦分为一般的类别，那就是和声和不和声。在古典音乐中，和谐的声音占主导地位，而不和谐的声音则作为运动的“过程”出现，因为不和谐是不稳定的，必须变得稳定，所以从不和谐到和谐的运动，就像不断的矛盾和统一一样，交替出现。在20世纪的许多作曲家手中，不和谐的和弦越来越成为主要成分。他们不是追求音乐的稳定，而是追求一种强烈的冲突和矛盾，或者一种新奇不寻常的效果。这种音乐让习惯古典音乐的人失望，但也有自己独特的美感。现在请听一段俄罗斯作曲家斯特拉文斯基1966年写的《拯救我》，感受一下与刚才和谐合唱的和声区别。
音乐示例2:斯特拉文斯基《灵魂颂》中的“拯救我”
这种以不和谐和弦为主要成分的作品，效果异乎寻常，往往有很强的刺激感。
我们再举一个器乐的例子。这是对贝多芬钢琴奏鸣曲《悲怆》第一乐章的介绍。作曲家运用和谐与不和谐的交替，构成一种张力，一种悲壮的情感。请特别注意主旋律下面的背景，也就是和声:
音乐示例3:贝多芬钢琴奏鸣曲《悲怆》第一乐章介绍
同一部作品的第二乐章以和谐的和弦为基础，给人一种稳定宁静的感觉:
音乐示例4:贝多芬钢琴奏鸣曲“悲怆”第二乐章的开始
如果一首音乐自始至终都有不和谐的和声，会让人感到紧张，但如果自始至终都很和谐，就会有缺乏动力和色彩的感觉，就像平静的水没有波浪，没有微风，没有鱼。所以作曲家会在适当的时候让和声变得不稳定，不和谐。欣赏作曲家的良苦用心，我们可能不会去欣赏，但当我们突然感到兴奋，或者感到一丝惆怅，一种心动时，往往是和声在起作用。
音色指的是乐器或声音的音质。
在生活中，我们常说某人的声音很美，或者沙哑而独特。我们还会评价小提琴家或钢琴家“音色丰富多样”，甜美或像洪钟一样灿烂……这些都不包含在音色这个概念里。我们这里要讲的音色，在汉语词典里叫做“音韵”或“音色”，即某种声音(如男高音、女高音)或某种乐器特有的声音类型。
人声方面，女高音洪亮柔和，男高音高挑高亢，女中音深沉热烈，男低音庄重厚重，给人以坚定的感觉。乐器的音色类型更为丰富，如小提琴的柔和灵巧，大提琴的深沉醇厚，双簧管的优雅甜美，小号的英气等等。作曲家对音色的运用非常讲究。对他们来说，这些各种各样的声音特征就像画家手中的色彩，会使他们的旋律、和声、节奏、力度产生鲜明的效果。
每一个音都有特殊的含义。假设你想写一部描写一个男人的英雄形象的进行曲，你不太可能选择小提琴、长笛、双簧管，而是考虑响亮有力的铜管，比如小号、长号。如果要写一首表达缠绵之情的曲子，定音鼓和钹肯定不行。由此可以看出，音色具有特殊的表现力。
语气也有模仿的作用。如果模仿暴风骤雨，就需要强劲的音色，而微风吹过，就需要柔和的音色。法国作曲家圣桑(Saint-Saens)在他的组曲《动物狂欢节》中生动地描绘了各种动物的形象，其中歌曲《大象》(song)用乐队的低音区来描述大象的沉重，其音色是声音粗犷的双大提琴。
音乐示例1:圣桑动物狂欢节中的“大象华尔兹”
大提琴的声音加倍对大象来说再合适不过了。乐队里还有其他种类的低音乐器，如大号、低音单簧管、巴松管等，但都不如大提琴合适，因为大号比较硬，有冷威慑力，而低音单簧管、巴松管太弱，不像大象那样粗壮的体态和沉重的舞步。
木管乐器中的笛子、双簧管、单簧管常被用来形容自然，因为它们的音色就像鸟儿的歌声或田园的笛声。贝多芬在第六部《田园交响曲》的第二乐章结尾用木管乐器写了一首模仿鸟鸣的曲子，非常写实:
例2:贝多芬田园交响曲第二乐章的结尾
贝多芬在这里用笛子、双簧管和单簧管模仿鸟儿的歌唱。它明亮而轻盈的声音会立即让人想起可爱的小鸟和美丽的自然风光。这部作品的第四乐章是《风暴》。贝多芬首先让小提琴像唰唰的微风一样演奏短音符和短动机，而大提琴则在低音区演奏颤音。隆隆的声音就像远处滚滚的雷声。然后木管乐器和定音鼓也加入进来，力度逐渐加大。突然，铜管乐器轰鸣起来，定音鼓重重地敲打着。毫无疑问，“风暴”来了。贝多芬在这里使用了整个管弦乐队的能量。
音乐示例3:贝多芬《田园交响曲》第四乐章“风暴”的开始
这部作品第五乐章的标题是《田园牧歌，暴风雨后的感恩》。贝多芬第一次使用单簧管，听起来像一只鸟在唱歌，来宣告一场小雨后的地球是宁静安详的。号角的回声就像是远山的回声，又像是猎人吹响狩猎的号角。之后，小提琴用明亮的声音唱了一首感恩的歌，表达了作曲家发自内心的快乐和赞美。这旋律越来越亮，心情越来越饱满，高潮部分加入了铜管辉煌的音色。
音乐示例4:贝多芬田园交响曲第五乐章的开始
每一种乐器或声乐品种都有其特定的表达意义和描述功能，或特定的音色。然而，作曲家并不满足于这些“原色”。他们想把各种音色混合起来，用不同的演奏方法改变音色，以扩大音色的多样性和表现力。这种技术被称为编排。
作曲家必须精通配器，熟悉各种乐器的效果。如果笛子和大管一起演奏，大管沉闷的声音会被银光所覆盖；再比如某个地方轻轻敲了一个三角铁，会增添一种亮闪闪的感觉；定音鼓滚动时，大钹会轻轻振动，给定音鼓厚重朦胧的声音带来金属光泽……除了不同种类乐器的组合，所用乐器的数量也会有不同的效果。一个小提琴独奏和所有小提琴部件(一个乐队通常有二十把左右的小提琴)一起演奏，得到的音色肯定是不一样的。
演奏方法(每种乐器的演奏技巧)也与音色密切相关。乐器刚发明的时候，演奏技法简单，但是经过几代人的探索，演奏技法越来越丰富复杂，这些演奏技法会让一件乐器获得多种音色。以小提琴为例，可以用长弓演奏，效果是唱歌。也可以用双弦手法，即一弓同时弹两个音。这种类似二人转的声音自然丰满。也可以是短弓跳，即弓在弦上轻轻跳跃，弓与弦的接触很短，可以获得轻快活泼的声音。或者可以用手指拨动琴弦而不用弓，获得弹拨乐器特有的颗粒感音效。小提琴大师帕格尼尼为这种古老的乐器创造了前所未有的魅力。我们从他的24首小提琴随想曲中挑选了几个片段来欣赏不同演奏方法带来的各种音色:
音乐示例5:帕格尼尼第一小提琴随想曲
音乐示例6:帕格尼尼第二小提琴随想曲
音乐实例7:帕格尼尼第三小提琴随想曲
音乐示例8:帕格尼尼第四小提琴随想曲
音乐实例9:帕格尼尼第十小提琴随想曲
混合音色和演奏方法可以使原本有限的音色无限丰富，新的乐器在音乐发展过程中不断涌现。比如20世纪的高科技产品“合成器”，就是依靠电子技术发声的乐器。它不仅能模仿乐器和人声，还能发出想象中的神秘声音、战场声音、门窗破碎、呼啸的风声等等。想象一下。电子合成器在影视作品中起着非常重要的作用。
音乐示例10:马斯卡尼《乡村骑士》中的插曲
作曲家在与管弦乐队的音乐会上经常使用电子合成器，使得整个声音不仅亲切逼真，还具有一种空的精神神秘效果，让人产生无限遐想。
音乐示例11:CD唱片《神秘花园》精选歌曲
强调了音色在表达特定情感和刻画形象方面的作用。其实作曲家纯粹从音变和对比的角度来使用音色更为常见，尤其是较长的作品，音色变化频繁而丰富。它起着结构对比、推进和对称的作用，这将在我们欣赏体验的不断提高中实现。
我们经常听到“调式”、“调性”等音乐术语，如A大调钢琴协奏曲、G小调交响曲等。，但“语气”这个概念是最难理解的。比起节奏和旋律，似乎是离我们听觉体验最远的。但在音乐中，这种元素是无处不在的，要借助理论去理解，尽可能去感知。
现代诗《我只借你人生一程》作者及原文
作者:叶绿素
原文:行走世界，来来去去，同甘共苦，行走珍惜！
遇见所有的缘分，伴随着理想主义，人生的旅程，人生的旅程！
我只会借你一程
生活中的偶遇
我只是你的过去
但是你已经成为我的永恒
我只会借你一程
感谢生活十字路口的你
你的瞬间绽放
温暖我一生的心
秋天路过
可以弥补春天的芬芳
四季相距甚远
但是我有一个
永不消逝的梦想
我只会借你一程
熙熙攘攘的世界
不容易忘记
即使没有指南针的指引
从未迷失
从未踏足的城市
相似的夜，相似的光
让我兴奋的是
你点燃的灯
我只会借你一程
不要答应
因为它承载不了永恒爱情的誓言
但它可以传递一个遥远的提醒
如果心灵能够超越空
我们只是以另一种方式在一起
用你给我的能量
消除所有的颠簸
不要让遥远的距离
荒凉的原梦
我只会借你一程
风流韵事
那只是想象中的前世
瞬间自私
敌人但是
每个尘埃的期待
回忆忘记了沧桑
失踪的艾薇
还在你的城市里爬行
我只会借你一程
复杂方形字符
我画不出我内心的轨迹
单曲循环的老歌
你怎么能沉思过去几年的悲伤和悲伤
穿透窗帘
永不褪色的风景
它已经被固定在窗口等着你了
无法到达另一边
这是一座永恒的城市
我只会借你一程
当我想起你
我会在你的另一个世界游荡
默读
穿越高山和河流
温暖的话语和浪漫的表达
安静地听
微风吹向你的身边
轻轻摇晃
受祝福的风铃
我只会借你一程
我在繁华的市场
继续你孤独的旅程
但从未偏离
眼睛盯着你的方向
在你的生命中，我只借一程，让怜悯的温暖陪伴我们前行
在你的生命里，我只借了一程，那是白云上满满的真心
在你的生命里，我只借一程，微风拂过的脸颊上有一滴晶莹
在你的生命里，我只借了一程，不仅仅是来自穿越山河的问候。
还有永恒的祝福，永远在我心里！...更美丽的句子:www.laorenka.com